Publicidad, Ópera y música

Hace varias semanas hacíamos en el blog una publicación sobre el uso de la música de ópera en el mundo de la publicidad en la que manteníamos que continuaría con otra publicación. La primera parte puede seguirla en el enlace La ópera en la publicidad. 
Como en otras ocasiones, esta publicación no habría podido realizarse sin la incondicional, constante y eficaz labor de búsqueda e investigación de Pilar.
En esta entrada de propongo un paseo por algunas propuestas publicitarias basadas en la música de ópera, aunque hay alguna que se relaciona con otro tipo de música clásica. ¿Recuerdas estos spots publicitarios? ¿Sabes en qué músicas están basados? Si te gusta... ¡Comparte, comenta, sugiere!



La primera incursión que reflejamos de la ópera en la publicidad  la extraemos de un anuncio de Sopas Knorr de 1994 que utiliza, aunque de forma muy solapada, una de los motivos que aparecen en las melodías de La danza de las horas de Amilcare Ponchielli.

La versión que sigue pertenece a una representación que tuvo lugar apenas dos años antes, en 1992 en el Teatro dell'Opera di Roma. en la que se representa de forma completa esta conocida Danza delle ore que Ponchielli introduce en su ópera La Gioconda. 

También llega la calidad de la música de la ópera, en este caso de Mozart, invita a realizar el paralelismo de su música con la calidad del pescado que consumimos y su crianza en nuestras costas. 

La música utilizada en esta ocasión es la deliciosa cancioncilla (canzonetta) que el imberbe y enamoradizo Cherubino escribe a todas las mujeres en general en una de sus óperas más conocidas: Las bodas de Fígaro. El personaje, siempre interpretado por una mezzosoprano lo hace en esta ocasión por Marianne Crébassa en una representación que se llevó a cabo en el Teatro Alla Scalla de Milán en 2016.

Aunque comenzó estudios de Derecho en La Sorbona, Guy Debord los dejó para formar parte de una agrupación que fusionaba música y poesía, el Grupo Letrista, para más adelante liderar la Internacional Situacionista de influencia decisiva en el Mayo del 68 francés. Seguidor del marxismo, fue un filósofo que dejó su pensamiento en La sociedad del espectáculo, un libro en el que desarrolla la tesis del cambio que el capitalismo realiza en el pensamiento a través del espectáculo. Según Debord, en el grado en que convertimos nuestra vida en un producto, más nos apartamos de ella. 
Dividido en capítulos con diversos razonamientos que se van enlazando hasta formar el corpus de sus ideas, el apartado 30 refleja el modo pasivo en que nos enfrentamos a la vida con nuestra función de espectador consumidor. Basta caer en la cuenta de en la misma televisión que entra en nuestros domicilios los programas de entretenimiento tienen sentido única y exclusivamente cuando se cuenta la intimidad de los protagonistas, sin ningún interés añadido.



Una música que se ha utilizado en diversas ocasiones no sólo por la calidad y lo conocida que es, sino por el mensaje que lanza en sus dos primera palabras acompaña este anuncio de Nissan Quashqai. Los edificios, la representación más impersonal de las ciudades poseen ánima, se sienten animados. Su ojos, caras, el asombro y la lucha que transmiten no pueden con la fuerza y energía libres que transmite el vehículo.

La música que utilizaba es el Sempre libera (Siempre libre) de La Traviata de Verdi. En esta ocasión nos acompaña una de las producciones operísticas con más fuerzas de los últimos años, que aún sigue representándose en este mismo montaje que Willy Decker utilizó para el Festival de Salzburgo de 2005 con unos magníficos Anna Netrebko y Rolando Villazón.

Si en la primera parte dedicada a las músicas de la ópera en la publicidad poníamos el spot de Paco Rabanne Pure XS en el que el protagonista era él, en esta ocasión la versión, con la misma música tiene por protagonista a ella. 

Esta habanera de Carmen de Bizet está interpertada en esta ocasión por Agnes Baltsa en una representación que se llevó a cabo en el Metropolitan Opera House de New York bajo la dirección de quien la ostentó durante lustros, James Levine.

Dejamos la ópera y la cambiamos por los valses vieneses. En esta caso para un spot del Audi 6. No hay como un vals para representar el elegante deslizar por la carretera de este o cualquier tipo de automóvil.

El vals original del que está extraído uno de sus temas melódicos para el anuncio es Künstlerleben (Vida de artista), Op. 316 de Johann Strauss hijo con la Strauss Chamber Orchestra bajo la dirección de Horst Sohm. El tema musical del anuncio aparece a partir de 1'30''.

También el siguiente spot publicitario nos hace cambiar la ópera por la música de uno de los más grandes genios de toda la historia: Beethoven. Sin presentaciones, una de sus melodías más conocidas, como se suele decir, gentileza de Mutua Madrileña en un anuncio que recordamos de hace pocos años.

La inclusión del llamado Himno de la Alegría a partir del texto de Schiller en la 9ª Sinfonía de Beethoven supuso un punto álgido en la historia de la música. Oírla de apreciar en qué momento surge el tema de este himno entre otros varios y cómo se oye por primera vez en los chelos para ir pasando a las cuerdas agudas y el resto de la orquesta es una delicia. Hay ocasiones como esta en la que está dirigida por Berstein en uno de sus últimos conciertos en que la melodía que surge nos aparece como si fuera la primera vez que la oímos. En Bernstein, Beethoven y Berlín hablamos de esta interpretación tan especial.

Hace años Movistar realizó este anuncio publicitario que pone en contraste la música de Puccini con versiones electrónicas. Montados en bicicletas, el mensaje que quería transmitir es que la vida, compartida es más.

La música corresponde al aria Un bel di vedremo? de Madama Butterfly de Puccini y la grabación corresponde a la película del mismo título de Frédéric Mitterand interpretada por Ying Huang.

Para finalizar, uno de los más entrañables personajes de Mozart pertenece a su última ópera, La flauta mágica. Frente a los héroes Pamino y Tamina, Papageno representa a ese personaje simple, sano, deseoso de satisfacer sus necesidades primarias. Es feliz si tiene comida, bebida y una buena mujercita, una Papagena que le acompañe en su vida. 
McDonald no dejó de aprovechar la oportunidad para utilizar el dúo de Papageno y Papagena para hacer publicidad de sus patatas fritas. Aún tengo dudas de que me gusten estas patatas desde que lo oí.

El dúo original entre ambos es una deliciosa despedida de los personajes que han encontrado su media naranja y en sus deseos e ilusiones sólo se encuentran el de ser felices juntos y tener una descendencia de pequeños papagenos y papagenas. Una delicia cuyo espíritu está magistralmente representado en esta producción.

Aún hay mucha más música de este tipo asociada a la publicidad, por lo que quizás en otra ocasión pueda aparecer una continuación.
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Veneno, enfermedad, locura y muerte en el romanticismo

La ópera a través del canto debe arrancar las lágrimas de la gente, aterrorizarles y hacerles morir. 

Vincenzo Bellini

La música del barroco y rococó se caracterizaba por tener un canto muy adornado abusando hasta el extremo de la coloratura, los agudos y una serie de ornamentos que se utilizaban como una forma de virtuosismo, viniera a cuento o no dentro de la historia que se contaba, donde lo que predominaba era el lucimiento del intérprete.
Con la aparición de la música romántica comienzan a proliferar los teatros de ópera, se necesita una gran cantidad de historias para ofrecer a esos teatros y un gran número de escritores de libretos y compositores que las imaginen. 

El romanticismo comienza a representar historias que se acerquen a la realidad, aunque sin olvidar esos momentos que sacien los deseos de un público ávido de oír los virtuosismos de los intérpretes. La solución que concilia ambos extremos consiste en crear un estado emocional que justifique que el personaje cante de forma alejada de lo habitual, de la misma forma que su estado anímico está ajeno a la realidad. Surgen así los grandes momentos de virtuosismo, especialmente para las protagonistas femeninas, que afrontan las llamadas arias de locura, aparecen venenos que transmutan la personalidad de los afectados, se padecen enfermedades que hacen girar las historias -así es el romanticismo- hacia muertes épicas, sublimes y dolorosas, como demandaba el expectante público.
La ópera del siglo XIX está repleta de historias intensas, cada vez con libretos más sólidos y coherentes y con momentos que brillan con toda la fuerza de los mejores momentos del período del Belcanto. Con esta entrada comenzamos una serie dedicada a los momentos más brillantes de la ópera romántica belcantista.
Te propongo adentrarte en algunos de los momentos más brillantes de la ópera con reflexiones sobre los venenos y la locura y obras procedentes de la tradición medieval, de Saramago, Bellini y Donizetti. Si te gusta... ¡Comparte, comenta, sugiere!



Dos grandes leyendas medievales se propagan por toda Europa desde Inglaterra: La del rey Arturo y sus caballeros de la tabla redonda y la leyenda de Tristán e Iseo (o Isolda). 
La historia de Tristán e Iseo es una leyenda que inauguró una nueva mirada a la literatura amorosa. Se trata de un amor trágico, nacido del azar, de un error y que, por tanto, no proviene de una decisión libre ni de un compromiso de índole personal o social. Es en el siglo XII cuando, en su segunda mitad, comienzan a propagarse por tierras francesas distintos poemas, primero de forma oral y más adelante recogidos en versos escritos por diversos autores y con distintas miradas sobre el mito del filtro de amor.
Con los poemas escritos comienzan también a aparecer bellas miniaturas con las escenas más sugerentes de la obra que se traspasan a objetos cotidianos como copas, cofres, tapices o cerámicas con imágenes del ciclo tristaniano.
Diversos son los textos que nos han llegado, muchos de ellos fragmentarios, con la historia desde los de Béroul (o Berol), Eulhart, Gottfried, María de Francia, Gerbet de Montreuil o Thomas de Inglaterra, algunos con títulos que denotan la variedad de aspectos que tratan sobre la historia: Tristán loco, Lai de la Madreselva, Tristán Ruiseñor o Tristán ministril.
En Tristán e Iseo. Versión de Alicia Yllera, la catedrática de la UNED, traductora de francés y una de las referentes de nuestro país en filología románica e hispánica, recopila y funde las distintas versiones existentes para ofrecernos una versión unificada sobre el mito del amor trágico.



Narra la historia del fracaso del individuo cuando entra en lucha con la sociedad, más también del triunfo de la pasión sobre las convenciones y la muerte, narrando los sufrimientos de los personajes al hallarse en conflicto entre sus obligaciones y su amor y teniendo que recurrir a engaños y ardides para salir adelante.
La pasión entre Tristán e Iseo surge de forma accidental al ingerir un filtro de amor. La reina, madre de Iseo prepara un filtro de amor para que Brangel, que acompañará a su hija en barco para desposarse con el rey Marcos. La noche de bodas debe servirlo a ambos para que haga su efecto: Se amarán sin que nadie pueda sembrar la discordia entre ellos, durante tres años no podrán separarse sin enfermar y, pasado ese tiempo, su amor perdurará durante toda su vida. 
En el barco, el caballero Tristán advierte la añoranza de su tierra e intenta consolarla con su canto sin éxito. Hasta que surge el malentendido que trastoca los planes y determina el amor trágico más popular de la literatura. 

El recorrido de este mito se populariza durante siglos, llegando en varias ocasiones y de muy diversa forma al mundo de la ópera. Si Richard Wagner compuso la más y fiel versión en su ópera homónima, Gaetano Donizetti la utiliza tres décadas antes para utilizarla como excusa para desarrollar una de las más deliciosas óperas, L'elisir d'amore (El elixir de amor). Basada en un libreto de Eugène Scribe para la ópera Le Philtre (El filtro) de Auber, Donizetti la compuso por encargo en sólo catorce días.
Adina, la protagonista narra "la historia de Tristán, una crónica de amor", a partir de la cual, la llegada del embaucador "doctor" Dulcamara, un pobre, simpático e infeliz charlatán de pueblo que aprovecha la circunstancia de que el protagonista, Nemorino, piensa que sus elixires son genuinos filtros de amor.

El barítono Simone Alberghini interpreta el papel del "doctor" Dulcamara, un personaje simpático y reconocible de antiguos mercados y plazas en una producción original del Gran Teatre del Liceu que se llevó por distintos escenarios.

Reflexionar sobre los límites entre la realidad y la locura se ha realizado desde que el ser humano tiene uso de razón. En la literatura hay personajes que nos muestran ese límite desde las novelas donde destaca, sobre todos ellos, nuestro universal Don Quijote, prototipo de personaje que ha perdido la razón. Tartarín de Tarascón, el entrañable personaje de Daudet; Peer Gynt creado al alimón para las tablas con el texto teatral de Ibsen y la música incidental de Grieg; el mismo Mr. Pickwick de Dickens, tan entrañable para el autor de este blog (que se siente un pickwickiano más), son personajes que se mueven en la línea sutil que separa lo convencional de lo que no lo es.
En esta ocasión es un texto del premio Nobel portugués José Saramago, que reflexiona sobre la (falsa) locura de Alonso Quijano, el que nos acompaña. Extraído de un artículo publicado en El País en mayo de 2005 con motivo del 400 aniversario de la publicación de El Quijote, La falsa locura de Alonso Quijano es un texto que indaga y se da vueltas al razonamiento sobre la supuesta locura del universal personaje. De este artículo han extraído el texto siguiente a modo de microrrelato completo. El texto original puedes leerlo en el siguiente enlace: La falsa locura de Alonso Quijano.


Las arias de locura suponen un virtuosismo extremo, una efusión de coloraturas y de exhibiciones por parte de los cantantes que enardecen al público. La ópera belcantista está repleta de estos momentos. Bellini escribe arias de locura para sus óperas Il Pirata, I Puritani o La sonnambula. Donizetti lo hace para Ana Bolena o Lucia di Lammermoor. También Verdi la piensa y compone para su Macbeth.

La última ópera de Vincenzo Bellini, I Puritani (Los Puritanos) se desarrolla en la Inglaterra de mediados del XVII en una fortaleza gobernada por Lord Walter Valton partidario de los puritanos de Cromwell frente a los Estuardo. Elvira va a casarse con su amado Arturo gracias a la intercesión de su tío Giorgio en lugar de con Ricardo, quien está enamorado de ella. Tras cierta confusión en que Arturo intenta salvar la vida de la Reina de Inglaterra. Elvira piensa que su prometido ha huido con una desconocida amante y, aún con el velo nupcial puesto, pierde la razón mientras los puritanos maldicen al fugitivo y se conjuran para vengar a la joven.
La escena está interpretada por la soprano Anna Netrebko interpretando a Elvira con John Relyea como Giorgio y Franco Vasallo como Riccardo en una celebrada producción del Metropolitan Opera House de New York de 2008.

Continuará.

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Bibliografía consultada:

• www.kareol.es: Letras y traducciones de óperas y música vocal.
• Batta, András. Ópera. Compositores, obras, intérpretes. Könemann Verlagsgesellschaft mbHl, 1999, Colonia (Alemania)

Páginas web:

• https://elpais.com/diario/2005/05/22/opinion/1116712806_850215.html

De qué hablo cuando hablo de correr

Si tienes un sueño y te lo propones puedes llegar a conseguirlo. Nuestra capacidad de conseguir aquello que anhelamos nos permite que, en ocasiones, podamos alcanzarlo gracias a nuestra motivación, interés y esfuerzo. Hay tantas cosas en nuestra vida que hemos conseguido con ellos, aunque también hay otras que no pudimos alcanzar por las razones que fueran.

Nuestra vida personal, esas personas que nos acompañan en nuestra vida, especialmente nuestra pareja; nuestra vida laboral, con el trabajo que hemos tenido que realizar para alcanzar lo que hemos conseguido; nuestras aficiones y hobbies que nos ayudan a desarrollar algunas capacidades que tenemos y enriquecen nuestra vida, son muestras de que hay sueños que se pueden cumplir, aunque no suelen ocurrir como pensamos inicialmente.
Pero, paralelamente, hay una serie de realidades que alcanzamos, aunque no hayan entrado en lo que podríamos llamar nuestros sueños. Hay veces que, con el paso del tiempo, vamos acomodándonos a lo que la vida nos ofrece o hemos alcanzado y nos volvemos más conformistas. En otras ocasiones, no nos conformamos y buscamos desarrollar lo que se nos ofrece, aunque no hayan entrado en nuestros planes y sueños.
En mi caso y, por distintas razones, hay varias aficiones que han entrado a formar parte de mi vida de forma totalmente inesperada y que aún me sorprenden. De la misma forma, cualquiera que lea esta entrada podrá advertir en su historia personal otras aficiones distintas con las que ha enriquecido y desarrollado su vida, algunas de las cuales surgieron sin esperarlo.
Te propongo un paseo por esas aficiones y retos que nos hacen enriquecer nuestra vida y el reto de unir en una publicación el hecho de correr, la literatura de Murakami y la música de Norma. Si te gusta... ¡Comparte, comenta, sugiere!



Hace una decena de años entré a formar parte de la coral polifónica de mi ciudad, algo impensable en quien nunca antes había cantado. A finales de 2014 me embarqué en la escritura de este blog con la idea de unir semana a semana textos literarios con música clásica cantada, especialmente de ópera de la que se han llegado a publicar más de doscientas entradas.
Hace meses el médico me recomendó salir a caminar para combatir el estrés y bajar la tensión arterial. Con cincuenta y ocho años decidí que ya tendría tiempo de caminar y que comenzaría a correr dos o tres veces por semana. Después de estos meses, a finales de enero de este 2019 me atreví a participar, por primera vez en mi vida, en una carrera: la media maratón de Sevilla, una carrera de 21 km y 95 m que transcurre por el centro histórico de la capital andaluza.
Tras unas semanas de preparación por cuenta propia, siguiendo algunos consejos leídos en el blog de A mis cuarenta y... de ManuAM, aunque él no sea consciente de lo que me ha ayudado, me presenté en la línea de salida con tres objetivos: 
1º/ Terminar la carrera
2º/ Terminar la carrera contento y de forma aceptable.
3º/ Acercar el tiempo a 1h50''.
Los dos primeros objetivos se consiguieron, aunque el tercero estuvo cerca en mi cronómetro (1h51'06''), aunque más lejos en el tiempo oficial de la carrera.

Hablar de Murakami es hacerlo sobre uno de los escritores más importantes de la actualidad. Eterno candidato al Nobel de Literatura, Haruki Murakami es un japonés universal, un autor que muchos de sus compatriotas acusan de batakusai, de "apestar a mantequilla", un eufemismo con el que muestran que está excesivamente americanizado para sus gustos. Y, en cierto modo, no dejan de tener razón, puesto que, pese a que la mayor parte de la obra de Murakami se desarrolla en su Japón natal, su estilo, sus intereses o la música -que tan importante es en su obra literaria- lo acercan a los gustos occidentales más que a los nipones.
Para quienes leemos con pasión a Murakami, la mezcla entre el realismo y lo onírico, lo cotidiano y lo inexplicable, el individualismo y una cierta inadaptación a las convenciones sociales, son señas de identidad de la sociedad y la cultura de los tiempos que corren y, como tales, reflejan este mundo complejo e inexplicable en muchas ocasiones.
Obras como Tokio blues, Kafka en la orilla, 1Q84, Crónica del pájaro que da cuerda al mundo, Spunik mi amor o la reciente La muerte del Comendador (aún en la lista personal de libros para leer) crean y forman parte del universo personal del escritor japonés.
Pero la faceta que lo acerca hoy a este blog es la de corredor. Haruki Murakami es, además de un renombrado escritor, un persistente corredor, un habitual en carreras de maratón o triatlón, una afición que generó en él un modo de vida y que reflejó en una serie de escritos que recogió en su libro De qué hablo cuando hablo de correr. Se trata del libro más personal del autor, una serie de reflexiones sobre la afición a correr y sobre el hecho de ser novelista, que va desgranando en distintos textos escritos entre agosto de 2005 y octubre de 2006.
Después de regentar durante años un local de jazz dejó este trabajo para centrarse en la escritura, lo que comenzó a repercutir en su forma física de forma evidente.



Una constante en el mundo de la música es la corta vida de algunos compositores, un hecho que hizo que su fecunda labor de creación, en la mayoría de los casos comenzada en plena juventud, se viera finalizada de forma abrupta. Autores como Mozart, Schubert, Bellini o el bilbaíno Juan Crisóstomo Arriaga se fueron de esta vida sin habernos dejado obras que nos enriquecieran aún más, aunque a algunos de ellos estos pocos años sirvieron para dejar memoria de su genio creador.
Vincenzo Bellini, Il Cigno di Catania (El Cisne de Catania) murió de una enfermedad gástrica en pocos días con apenas treinta y cuatro años. La mayor parte de su obra es operística, destacando entre sus diez producciones La Sonnambula, Norma e I Puritani, tres obras que han sido tratadas en diversos momentos en este blog.
¿Qué relación une el libro de Murakami con la música de Bellini? Aparentemente ninguno, pese a ser el escritor japonés un enamorado de la música, especialmente la clásica y el jazz, de las que deja constancia en sus libros. 
Para participar por primera vez en un carrera pensé que, en lugar de escuchar la radio mientras corría como suelo hacer (siempre Radio Clásica de Radio Nacional de España), sería más interesante seguir una ópera desde el principio y ver hasta dónde era capaz de escuchar antes de llegar, si llegaba, a la línea de meta. No tuve muchas dudas y la obra escogida para acompañar la carrera fue Norma. Así que la obertura comenzó a sonar nada más pisar la línea de salida.

La obertura de Norma es de las pocas músicas no vocales de Bellini que siguen en el repertorio habitual. Es una especie de sinfonía, aunque no funcione como tal, dividida en tres partes. La primera es una introducción de tipo marcial, una melodía con tintes épicos y guerreros que nos introducen en el argumento de la obra, con dos pueblos enfrentados, los galos sometidos frente a los conquistadores romanos. Una parte central melódica que oscila entre la melodía rítmicamente vertiginosa que va del pianissimo al fortissimo y una línea melódica cantabile que se van alternando con el esquema A-B-A-B-A. Esta última melodía cantabile se basa en uno de los últimos temas de la obra, lo que refuerza la tendencia que se daba en la ópera alemana de relacionar la obertura y la ópera, algo frecuente en Mozart o Weber. La tercera y última parte de la obertura es una conclusión alargada y soñadora. 
El enlace, sólo de audio, recoge una interpretación dirigida por Riccardo Muti en Viena en 1977 con la Orquesta de la Staatsoper de la capital austriaca. 

Una vez decidido el tipo de actividad que serviría como contrapunto a la sedentaria vida de escritor, Murakami reflexiona sobre las condiciones que ofrecen a su personalidad el hecho de correr y sus ventajas prácticas.



Una vez conseguida cierta continuidad en el hecho de practicar la carrera, la siguiente fase con que se encontró Murakami era alcanzar una mayor capacidad de resistencia en su esfuerzo.

Acostumbrado a correr solo por la carretera oyendo radio o música de ópera, hacerlo entre diez mil participantes es una experiencia fascinante, aunque extraña, en que la música se pierde entre el ruido de los pasos, los gritos de ánimo del público y las conversaciones de los corredores. 
Momentos antes de cruzar la línea de meta sonaba una de los más emocionantes dúos femeninos de ópera, Mira, o Norma. Es una pieza en que las dos sacerdotisas galas, Norma y Adalgisa, hasta hace unos momentos rivales por el amor del romano Pollione deciden que su amistad es más valiosa. 



El enlace muestra el mismo audio, con las mismas protagonistas que acompañaron en la carrera: María Callas como Norma y Christa Ludwig como Adalgisa en una grabación de estudio de 1961 dirigida por Tullio Serafín.

La constancia acompañada por una constitución física adecuada son características que Murakami considera fundamentales para alternar el hecho de correr con el trabajo de escribir. 





Murakami señala otra de las ventajas de correr durante largo tiempo, una cualidad que se puede asociarse a muchas actividades, aficiones o tareas que permiten realizarse de forma mecánica mientras nuestra mente crea, organiza, prepara en unos momentos que también nos ayuda a trabajar sin tener que estar sentados frente a nuestro escritorio de trabajo. Es complicado saber cuántas actividades de clase, cuántas ideas para trabajar con los niños o cuántos problemas del colegio han ido tomando forma corriendo. También son muchas las entradas de este blog que han ido encajando durante las carreras.

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La ópera en la publicidad

Vivimos rodeados de publicidad.
La televisión, la radio, la prensa o los carteles situados en los espacios exteriores de nuestras ciudades están enviándonos continuos mensajes donde nos invitan a consumir determinados productos. En los últimos años hay que añadir la aparición de una nueva forma de acercarse a nosotros a través de las redes sociales donde aparece de una forma más sutil, personalizada y directa a nuestros gustos, aficiones y emociones. Incluso en determinadas redes se han llegado a traspasar determinados límites que hasta ahora se consideraban privados para acercar la publicidad según resultados obtenidos con los llamados big data.
En una sociedad tan determinada por el consumo encontramos que hay una desmedida saturación de mensajes, de forma que hemos formado una coraza a nuestro alrededor pareciendo que, en determinados casos, nos sintamos insensibles ante los mensajes publicitarios y éstos necesiten ser más creativos para alcanzar sus objetivos.
La ópera y la música clásica en general poseen unas características de calidad que hacen que, por una parte haya temas que sean muy conocidos y, por otra posean la calidad suficiente para ser utilizados en otros contextos.
Sin el trabajo de investigación de Pilar no habría podido escribir esta entrada.
Te propongo un paseo por algunos temas musicales sacados del mundo de la ópera que han sido utilizados en la publicidad y que, gracias a ella, han sido aún más populares aunque en ocasiones no sepamos de dónde proceden. Si te gusta... ¡Comparte, comenta, sugiere!

El primer ejemplo donde la publicidad utiliza música de ópera es en este spot de Sony Bravia de hace un lustro en que se señalaba el color del televisor con la obertura de la ópera La gazza ladra (La urraca ladrona) de Gioacchino Rossini. Los efectos musicales con el famoso cresccendo rossiniano encajan perfectamente en estas pinturas con matices pirotécnicos.

En esta publicidad de 2013 del Audi A4 Advanced Edition se utiliza el slogan ¿Para qué sirve la tecnología si no es para emocionar? con una de las arias de Händel que mejor encajan con este mensaje sobre la emoción: Lascia ch'io pianga.

El aria pertenece a la ópera Rinaldo de George Friedrich Händel, una de las piezas que utilizó en diversas ocasiones el compositor sajón. En el siguiente enlace está interpretada de forma brillante por el contratenor francés Philippe Jaroussky.

Luis Bassat es uno de los más prestigiosos publicistas de nuestro país. En El libro rojo de la publiciad. Ideas que mueven montañas, reflexiona, analiza y fija su mirada en este ámbito. A este libro pertenece la siguiente reflexión.



Desde hace varios años, Jean Paul Gaultier viene anunciando su gama de perfumes con distintos spots que utilizan la música de una de las arias más conocidas del repertorio operístico: la Casta Diva de Bellini. El enlace muestra uno de los varios spots con que han diseñado la campaña titulado Making of the Factory.

La soprano rusa Anna Netrebko, una de las grandes divas de estos momentos interpreta Casta Diva, el aria más conocida de la ópera Norma de Vincenzo Bellini, una de esas piezas que han traspasado el mundo de la ópera.

La siguiente incursión del mundo de la ópera se dirige al aria de rebeldía, esa declaración de intenciones de Violeta, Sempre libera (Siempre libre) de La traviata de Verdi. En esta ocasión, el anuncio del Wolsvagen Golf MK1 Cabrio nos enfoca la mirada hacia... ¡los peinados!

La traviata de Giuseppe Verdi es la obra más representada cada año en los escenarios de todo el mundo desde hace varias décadas. El enlace del aria Sempre libera está interpretado por la soprano Stefania Bonfadelly que recrea una de las arias más complicadas para la voz de soprano.

Otra campaña dedicada a los perfumes es la de Pure XS de Paco Rabanne. Formada también por distintos spots, utiliza la famosa Habanera de Carmen para diversos anuncios con protagonistas masculinos y femeninos. En este caso, el protagonista es él.

Anna Caterina Antonacci interpreta esta descarada y descarnada habanera de Carmen de George Bizet en una producción del Royal Opera House del Covent Garden londinense .

¿Quién dijo que no hay que ser ambiciosos y apuntar alto? ¿Qué mejor para un producto francés que alcanzar la tecnología alemana con la música de Wagner? Así se presenta el Citroën C5 con La Marcha de las walkirias.

Esta conocida Marcha de las walkirias abre el tercer acto de La walkiria de Richard Wagner y la interpretación corresponde a una de las sesiones de los BBC Proms de 2005 celebrada en el Royal Albert Hall con la Orquesta de la Royal Opera House con la dirección de Antonio Pappano.

El siguiente anuncio publicitario proviene de Ecoembes dentro de la campaña #PiensaConLosPulmones que utiliza la música del llamado Dúo de las Flores de Lakmé de Leo Delibes.

La interpretación de este dúo, uno de los más delicados y sensibles del repertorio operístico francés corresponde a dos de las grandes cantantes de estos momentos: la mezzosoprano Elina Garança y la soprano Anna Netrebko.

Las dos últimas miradas a la publicidad y la ópera corresponden a dos piezas que son tratadas con evidente sentido del humor, pero cuya música no pertenece a músicas de ópera en sí.
Para este anuncio de cerveza se ha utilizado la primera de las piezas que forman el Carmina Burana, el conocido Oh, Fortuna! En el sport publicitario, la letra 

O, Fortuna, 

velut Luna,

statu variabilis

semper crecis

aut decrecis 

ha sido modificada como se observa en los subtítulos para acercar el mensaje al consumidor.

Esta pieza que abre los Carmina Burana de Karl Orff está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Berlín con la dirección de sir Simon Rattle.

La última pieza es arriesgada, ya que mezcla dos mundos de emociones que casi podríamos decir que son contradictorios o, cuando menos, incompatibles: la emoción de sentir un ballet y la de seguir el fútbol en un mismo momento. Perteneciente a una campaña de Movistar para Argentina, mezcla, como decimos, la afición entre el ballet, en este caso El lago de los cisnes de Tchaikovsky y el fanatismo tópico del aficionado sudamericano.

Para finalizar, nos acompaña la música original de Tchaikovsky con el Pas a quatre de El lago de los cisnes, una suerte de arabesco para bailar, una pieza de muy difícil ejecución por la coordinación que exige a las bailarinas que lo interpretan, según la coreografía que ideó para este ballet el prestigioso Marius Petipa.

Aún quedan más usos de la ópera o la música clásica en el mundo de la publicidad que quedan para otra ocasión. Y tú que lees esta entrada, ¿conoces alguna más? ¿Quieres compartirla para otra ocasión?
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El color del invierno

"El color de la primavera está en las flores; el color del invierno en la fantasía". Esta frase de Terri Guillemets nos acerca a una de las realidades que nos invaden anualmente. La llegada del invierno nos afecta de manera especial: Los días cortos y las noches largas o las temperaturas frías, aunque en nuestro entorno se limitan a pocas semanas frente a los largos meses de los países nórdicos, condicionan nuestro comportamiento. Buscar lugares cerrados y acogedores en nuestros hogares, dedicar más tiempo a actividades como la lectura, oír música, ver películas o estar con los amigos o la familia son actividades que realizamos en el rigor del invierno. Mientras, a la espera, anhelamos la primavera o el verano, estaciones más deseadas en nuestra civilización.

La imaginación, la fantasía, la introspección surgen con más naturalidad ante las inclemencias del tiempo, en el recogimiento con nosotros mismos.
Te propongo un paseo por distintos paisajes y músicas relacionados con el invierno y sus más visibles manifestaciones: el frío y la nieve. Si te gusta... ¡Comparte, comenta, sugiere!

Paisaje nevado con patinadores y trampa para pájaros Pieter Brueguel 

¿Dónde podríamos encontrar relatos, historias o poemas que nos acerquen al frío del invierno sino en la literatura rusa? Un país y una cultura acostumbrados al riguroso y devastador invierno no podían dejar de reflejar el paisaje en sus historias y dar significado a éste como un personaje fundamental que todo lo cubre y condiciona.
Antón Chéjov es uno de los grandes especialistas rusos en relatos cortos, aunque también destacó como dramaturgo con obras como La gaviota, El tío Vania, El jardín de los cerezos o Las tres hermanas. Inscrito dentro del realismo y naturalismo, heredó de su madre la facilidad para inventar y narrar historias, muchas de las cuales publicó con distintos pseudónimos y acercando su legado de relatos a figuras de la importancia de Poe, Maupasant o Borges.
En Vanka, uno de sus relatos cortos, narra la historia de un niño de nueve años que escribe la víspera de Navidad a su abuelo, a escondidas en la casa donde trabaja como aprendiz de zapatero, entre palizas, privaciones y riñas continuas. Vanka comienza a garabatear en el papel

Querido abuelo Konstantin Makárich:
Te escribo una carta. Te deseo Feliz Navidad y que Dios nuestro Señor te dé todo lo mejor. No tengo padre ni madre, sólo me quedas tú.

A partir de este inicio pasa a relatarle su desdichada presencia en la casa, aunque haciendo contraste con una límpida y serena descripción de esa noche:

¿Cúal es el sonido del frío?
Posiblemente el mayor compositor inglés sea Henry Purcell junto con Händel, aunque este último no naciera en las islas Británicas, sino en Alemania.
Purcell fue un músico precoz y prodigioso. Comenzó como niño cantor, antes de los veinte años sucedió a uno de sus profesores como compositor en la Real Orquesta de violín y ocupó uno de los puestos de organista en la Abadía de Westminster. Pocos años después fue nombrado organista de la capilla del palacio real y compositor de palacio, donde los tres monarcas ingleses para los que trabajó lo tenían en gran estima. 
Falleció con treinta y siete años, según parece por un resfriado que cogió en las puertas de su casa al no dejarle entrar su esposa tras una de sus habituales noches de borrachera. Su entierro se celebró con grandes honores y fue sepultado en la Abadía de Westminster donde tantas veces tocó, algo reservado a las grandes personalidades inglesas.

Pese a su juventud dejó un numeroso legado musical formado por más de ochocientas composiciones que comenzó a editarse en la segunda mitad del siglo XIX llegando a publicarse en veinticinco volúmenes.
Sus obras se mueven entre la música instrumental, las composiciones religiosas, la música profana y la escénica. En esta última destacan obras como su ópera Dido y Eneas y semióperas como El rey Arturo o La reina de las hadas. 
La semiópera es una peculiaridad de la ópera inglesa de finales del XVII que consta de una acción principal hablada en la que se insertan números cantados y bailados, una puesta en escena espectacular y la presencia de seres sobrenaturales rodeados de criados y admiradores. Ideadas por Thomas Betterton, director del Queen's Theatre, en el Dorset Garden londinense, Purcell las convirtió en una suerte de ópera nacional británica aunando el estilo musical, los textos literarios y el espíritu del teatro barroco con unos estilos marcadamente ingleses.
King Arthur, or the British Worthy (El rey Arturo o el inglés digno) se estrenó en 1691 en el Queen's Theatre con un libreto de John Dryden y se desarrolla en época mitológica narrando las batallas entre los britanos de Arturo y los sajones de Oswald. Los personajes humanos tienen el papel de actores, mientras que los sobrenaturales son los que cantan: Cupido, Gold Genius (Genio del Frío), sirenas, ninfas o Venus.
La música que nos acompaña en esta fría entrada es el aria What power art thou que interpreta este Cold Genius una vez que Cupido lo ha despertado y quien, al finalizar, suplica que le dejen morir de frío. 

Purcel imprime en este aria helada unos efectos sonoros a los instrumentos y al cantante que logran transmitirnos la sensación del castañear de los dientes y el tiritar que se produce en el cuerpo por el efecto del intenso frío. Tanto los acordes que forman el Invierno de Las cuatros estaciones de Vivaldi como el mismo soneto que inspira la obra del compositor italiano pueden ser un homenaje de este aria, ya que la conocida obra se compuso treinta años después del estreno de la obra de Purcell.
El enlace corresponde a una interpretación del barítono Christopher Purves con Le Concert d'Astrée bajo la dirección de Emmanuelle Haïm para el álbum Une fête baroque.

Otra descripción del invierno procede de otro escritor ruso, en este caso, una generación anterior a Chejov.
Iván Sergéyevich Turgéniev también compaginó el relato con la dramaturgia. Hijo de familia acomodada, estudió filología en San Petesburgo, donde conoció a los clásicos de la literatura rusa, y filosofía en Berlín, llegando a ser uno de los más occidentales de los escritores rusos por su formación, estilo y temática. Crítico con el poder zarista fue censurado en diversas ocasiones, además de tener agrias disputas con autores consagrados como Tolstoi o Dostoievsky con los que terminó reconciliándose, llegando a salir de Rusia y estableciéndose en París, donde finalizó su vida. 
De su producción literaria destaca entre todas Padres e hijos, una novela sobre los cambios generacionales que se desarrollaban en la mitad del siglo XIX. De esta novela extraemos la siguiente mirada a la crudeza del invierno.


La llamada aria del frío, What power art thou, pertenece al acto III de El rey Arturo. La segunda escena de este acto es la llamada Frost Scene (Escena del frío). En ella Osmond ,rival de Arturo, congela a la tierra y a sus habitantes, pero Cupido se las arregla para traer de nuevo el calor y todo vuelve a la normalidad. 

El invierno aparece como imagen de los ciclos que terminan, especialmente como un simbolismo de la muerte. No nos sorprende que este Cold Genius exija que se le deje morir en paz, cubierto con la nieve y que el bosque congelado sea a la vez hogar y tumba.
Esta escena, de un cuarto de hora de duración, comienza con un preludio al que le sigue el aria de Cupido What ho! thou genius of this isle con la que despierta a Cold Genius, viva representación del invierno. Éste se despierta con poco interés interpretando el aria que traemos a esta entrada (What power art thou, who from below) al que contesta Cupido (Thou doting fool) tachándolo de loco. Le responde el Genio (Great love, I know thee now) reconociendo el poder que posee el amor. Tras la contestación de Cupido (No part of my dominion shall be waste), éste hace aparecer al Pueblo del Frío que entona, entre tiritones y escalofríos See, see, we assemble.
Cupido canta Tis I that have warm'd ye al que responde el coro como estribillo. Un maravilloso dúo entre Cupido y el Genio (Sound a parley) entonado en canon, al que sigue el estribillo del coro cierra este tercer acto.

Iván Aivazovsky Constantinovich. Escena de invierno en la pequeña Rusia.

El enlace con esta escena pertenece a una representación que organizó la Henry Purcell Society of Boston con Arcadia Players and Poets Theatre en noviembre de 2016 en la Cathedral Church of St. Paul de Boston. La soprano Sarah Yanovitch cantaba el rol de Cupido y el barítono David Kravitz el de Cold Genius, dirigidos todos por Ian Watson. 
Para facilitar el seguimiento de la acción, he puesto el texto original y la traducción antes y después del vídeo.
La puesta en escena nos puede acercar a la idea del tipo de representaciones que se realizaban en las semióperas.

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Bibliografía consultada:

• www.kareol.es: Letras y traducciones de óperas y música vocal.
• Batta, András. Ópera. Compositores, obras, intérpretes. Könemann Verlagsgesellschaft mbHl, 1999, Colonia (Alemania).